1001 Albums Parte LVI: Prefab Sprout, Mekons, Big Black, Suzanne Vega, The Pogues, Kate Bush, Smiths, Waits, Jesus & Mary Chain, New Order (1985)
Originarios de la ciudad inglesa de Durham, Prefab Sprout apareció a fines de los 70' como una banda light en medio de tanta melancolía y depresión post-punk. Su segundo álbum Steve McQueen (1985) atestigua dicho registro. A contramano de los sonidos que dominaban las radios, prevalecieron con su sonido indie fresco e introspectivo. "Faron Young" -en homenaje a un conocido intérprete country- abre en un tono rockabilly y evoca de manera bastante oblicua imágenes de un ideal americano; "Bonny" es una desgarradora balada indie con trazos de auto-recriminación y nostalgia por una compañía perdida. "Appetite" -que advierte sobre conservar los valores importantes- se acerca a la new wave, en tanto que "When love breaks down" habla de una ruptura sentimental en clave de sofisti-pop, estilo que bebe en gran parte del jazz de los 70 y que acá se matiza con densos momentos de silencio musical. En "Goodbye Lucille #1" una voz experimentada aconseja a otra que ha sufrido un desamor, y es interesante por su creativa re-elaboración de lo pop (otra vez con silencios y armonías balanceados); en la armoniosa línea del soul, "Hallelujah" describe otra mirada masculina del desamor y el aprendizaje que conlleva, "Moving the river" reflexiona acerca de la disparidad entre el esfuerzo y las expectativas que se tienen sobre los jóvenes, y "Horsin' around" combina de jazz y pop en otro tema que ejerce la autocrítica emocional (también se recurre a esta estrategia en "Blueberry pies"). La solemne "Desire as" expresa lo que queda luego de una decepción amorosa, mientras que "When the angels" es un tributo al por entonces recientemente fallecido Marvin Gaye. Bastante suave, es un disco que pone a prueba tu paciencia con el pop, pero que a la vez le da una vuelta de tuerca para que suene diferente a lo demás.
Favoritas: "Bonny", "Goodbye Lucille #1", "Desire as"
Calificación: 7/10
A menudo señalados como los precursores -aunque técnicamente no lo son- del llamado country alternativo, The Mekons conjugaron un estilo que es un combo de varios ritmos populares para dar como resultado un sonido bastante original y fresco. Fear and whiskey (1985) es su cuarto álbum y el mismo que le dio un giro a la trayectoria de la banda británica. Formada previamente dentro del circuito punk, su viraje y fusión demostró el hábil sentido de su temprana reinvención estilística. "Chivalry" atestigua ese sonido refrescante y armónico, mientras que "Trouble down south" tiene un registro más experimental y alude a la frustración de todo intento de revolución o de sublevación al orden, más un llamado a las armas. "Hard to be human again" es una canción post-punk que carga contra las clases gobernantes británicas como también contra el ocio de las masas; en un tono bastante más bajo suena "Darkness and doubt", en tanto que "Pyscho Cupid..." es una isla dentro del disco por su registro narrado y música de fondo totalmente psicodélica. "Flitcraft", fusión de country y punk, hablaría de deconstruirse, de desarmar para volver a empezar. "Country" le agrega pop a un sonido acompasado típico del folk inglés (o gaélico?), "Abernant 1984/85" critica de manera tangencial al gobierno de Thatcher en la figura de los desafortunados mineros, y "Last dance" mezcla country con pop para un tema que encaja con el comienzo de un amor. El disco cierra con una sólida versión modernizada de "Lost highway", cover de Leon Payne. Buen trabajo para adentrarse en el country alterno.
Favoritas: "Flitcraft", "Last dance", "Hard to be human again"
Calificación: 7/10
Cuando Atomizer lanzó Big Black (1985), oficialmente su álbum debut, ya tenía varios EP en el mercado. Su sonido fuertemente industrial se combinó con una mirada agresiva sobre la inmoralidad. "Jordan, Minnesota" se muestra bulliciosa, dura -musicalmente- y feroz contra una movida de pervertidos sexuales y abusadores de menores; ya en este tema se nota la intención de incordiar o incomodar desde sonidos estridentes, como los de la guitarra. La banda vuelve sobre temas de abuso en la post-funk "Fists of love", esta vez tocando la violencia doméstica o de pareja. "Passing complexion" habla de las tensiones y confusiones en un EEUU patinada con complejos raciales; se vuelven hacia el punk con "Big money", acerca del abuso de poder de las fuerzas policiales, "Kerosene" -su oda al aburrimiento tornándose violencia- destaca por su combinación de sonidos alternados y una suerte de gaita acompañando el mood, y "Bad houses" (una autocrítica sobre la visita a casas de placer sexual) implementa una base de batería áspera y martillante. "Stinking drunk" se acerca al post-punk y tanto el bajo como las voces resultan enervantes además de repetitivas, mientras que con una melodía frenética y contagiosa, "Bazooka Joe" cuenta la historia de un veterano de guerra cuyo trauma se despliega en forma de más violencia. Cierran el disco "Strange things" (instrumental, rocker, convocante) y la speed-rock "Cables", versión en vivo de un tema ya grabado con anterioridad. Influyente para la movida post-industrial, incisivo en sus comentarios, pero demasiado machacante para mis oídos.
Favoritas: "Bazooka Joe", "Big money", "Jordan, Minnesota"
Calificación: 6/10
Bueno, he aquí el álbum debut de la cantautora estadounidense Suzanne Vega, y contiene una mezcla suave y agradable de pop y folk. Su inicio, con "Cracking", una canción lenta, intimista, explorando una fractura interna a través de una explícita metáfora de rompimiento, y también la confianza de las primeras impresiones al conocer a alguien. Gran tema. "Freeze tag" tiene un toque de bebop en esa base que acompaña casi en el mismo tono de la dulce voz de Vega, y funciona como extensión del primer tema, al explorar también las nuevas relaciones, en este caso pensándolas como un juego. En "Marlene on the wall", los ojos de la Dietrich en un poster estudian la frustrante vida sentimental y el masoquismo de la propia Vega; de la también intimista "Small blue things", se ha dicho que alude pensar las cosas desde la perspectiva del otro/a. Bajo este enfoque, la autora reflexiona sobre su propio estado. Una mujer cansada de la mirada represiva sobre ella y lidiando con el dolor es el tema de "Straight lines", con un tono sobrio de soft rock. Otra vez el dolor y el pesimismo afloran en "Undertow", en la voz de una protagonista que está sufriendo y que siente un profundo rechazo. "Some journey" abre la mente a todo ese abanico de posibilidades que surgen con la vida misma y con las decisiones que tomas -o no; la melodía amenaza constantemente con explotar y vuelve a un estado anterior, muy acorde con la letra. "The queen and the soldier" metaforiza con dulzura la lucha entre razón y pasión, "Knight moves" continúa ese juego cuestionando la capacidad de amar, y en un cierre casi cíclico, "Neighborhood girls" recita con audacia un relato enigmático que, aparentemente, alude a "Straight...". Interesante trabajo, con una Suzanne Vega mostrando varias facetas vocales.
Favoritas: "Freeze tag", "Marlene on the wall", "The queen and the soldier"
Calificación: 7/10
El golpe de efecto para el punk isleño lo dieron The Pogues, banda de folk punk irlandesa que con Rum, sodomy & the lash (1985), introdujeron una lírica más poética y apasionada que otros trabajos contemporáneos. La mezcla de mitología y la noción de historia cíclica se hacen evidentes desde el inicio con la fantástica "The sick bed of Cuchulainn", basada en un relato local sobre un popular guerrero. Con una melodía lenta y nostálgica, "The old main drag" describe el camino de un aspirante a estrella hacia una seguidilla de vicios, adicciones y degradación; "Wild Cats of Kilkenny" es una cálida danza folclórica instrumental que remite a otro relato tradicional, el cual haría referencia a dos bandos en disputa. Surgida del music hall, "I'm a man you don't meet every day" es una poderosa semblanza de un hombre que utiliza su apariencia inocente y buenos modales para someter a quienes considera 'inferiores': una lección en cinismo. Nuevamente ensayando lo que se da en llamar punk celta (con un compás valsesco), "A pair of brown eyes" narra el encuentro entre el vocalista y un veterano de la primera guerra, quien evoca experiencias y la idea -o no- de un amor que quedó atrás. "Sally MacLennane" alude a un tipo de cerveza negra y su tono es festivo, siempre en el tempo de las danzas celtas, mientras que el cover "Dirty old town" evoca a la perfección esa simpatía con el modo de vida de la clase trabajadora. "Jesse James" es una sólida réplica de la canción tradicional americana acerca del legendario bandido, "Navigator" es una solemne oda a quienes trabajaban construyendo canales o tendidos de rieles, y tanto "Billy's bones" como "The gentleman soldier" son temas folk muy bailables que presentan problemáticas relacionadas con la guerra; también la épica y memorable "The band played Waltzing Matilda" habla con maestría del ese momento único que es ir a la guerra. Un álbum fantástico, de lo mejor de su clase, con una muy pertinente utilización de los instrumentos, e interpretaciones sentidas que elevan a la emoción.
Favoritas: "The band played Waltzing Matilda", "I'm a man you don't meet every day", "The sick bed of Cuchulainn"
Calificación: 9/10
El quinto trabajo discográfico de Kate Bush marcó su retorno a las grandes ligas, siendo un éxito tanto comercial como de crítica. Hounds of love (1985) se divide en dos partes, la primera con un sonido de tendencia comercial, y la segunda, más conceptual, con un mayor grado de inspiración poética. "Running up that hill" -que resultó un enorme hit internacional- es una canción enérgica que versa sobre las relaciones de pareja y la idea de ponerse en lugar de la otra persona para comprender sus inquietudes. "Hounds of love" utiliza la metáfora de ser perseguida por sabuesos para hablar del rechazo al enamoramiento y al amor; "The big sky", de melodía cercana al funk, repite incesantemente esa frase como parte de una búsqueda de anclarse a cierta espera o nostalgia. "Mother stands for comfort" explora, desde una cálida composición acústica, la complicada posición de una madre protectora ante un hijo que ha cometido un crimen. Basada en el libro de Peter Reich, "Cloudbusting" alude a la relación de éste con su padre inventor entrecruzando su experiencia con uno de sus inventos y las sensaciones que devienen de la pérdida; su videoclip tuvo a Donald Sutherland como invitado. La segunda parte del disco está interconectada y comienza con "And dream of sheep", una balada agradable, pacífica, en la cual los arreglos se ajustan a la perfección; "Under ice" continúa el tema anterior, profundizando la idea de caer en el limbo entre el sueño y la vigilia -el tema tiene un arreglo de cello soberbio. La sombría "Waking the witch" metaforiza el temor al poder femenino en ciernes, "Watching you without me" es, según la propia Kate, un vehículo para expresar sus propios temores ante la falta de comunicación, "Jig of life" -de fuerte influencia irlandesa tradicional y con destacados juegos vocales- aboga por la perseverancia, "Hello Earth" es una obra maestra de evocación y unión con lo que nos rodea (¡excelente transición entre Bush el coro gregoriano!), y "The morning fog" concluye con un tono positivo y esperanzador. Disco desigual, con un arranque tibio y una segunda parte épica.
Favoritas: "And dream of sheep", "Hello Earth", "Hounds of love"
Calificación: 7/10
El segundo álbum de estudio de The Smiths fue un éxito de escucha, siendo el único de la banda en lograr mantenerse en el primer puesto de los UK Album Charts. Meat is murder (1985) es un disco más politizado, en el cual Morrisey y sus compañeros van más al fondo de las incómodas tensiones sociales. "The headmaster ritual" (prefigurando el indie rock), por ejemplo, es una crítica directa a la educación británica y a las formas de instrucción y castigo corporal deliberado, como sucede con la milicia; esta temática es abordada nuevamente hacia el final en la cruda y funky "Barbarism begins at home". Asimismo, "Nowhere fast" contiene un tono pesimista atacando la alienación que produce el ritmo de vida actual, que conduce a un desencanto y a una desconexión con lo que pasa a su alrededor. En un tono rockabilly, "Rusholme ruffians" señala la vulgaridad, avaricia y la pérdida de la inocencia en un pueblo de Manchester; "I want the one I can't have" es una de post-punk en la que quien canta anhela la compañía de alguien que no puede ser -tópico que ha sido tratado como una referencia a un enamoramiento homosexual-. "What she said" describe la angustia de una mujer al borde del desvanecimiento; junto con éste, "That joke isn't fun anymore" explora ideas sobre el suicidio pero con un tempo -de vals- más melancólico. En este mood, "Well I wonder" aborda la pena de un amor correspondido que provoca ideas destructivas en sí mismo. "Meat is murder", finalmente, es una violenta descripción de la violencia ejercida por el ser humano hacia los animales, y análogamente, una referencia al maltrato de las nuevas generaciones por quienes buscan controlarlos. Buen disco, con algunos altibajos.
Favoritas: "Well I wonder", "Nowhere fast", "The headmaster ritual"
Calificación: 7/10
Rain dogs (1985) es el noveno álbum de estudio de Tom Waits. Su tono de voz carrasposo y cínico comanda esta aventura crítica y musicalmente creativa. Desde "Singapore", textualmente muy rica y con una melodía de vaudeville (estilo al que regresaría en "Raindogs") degradado por efectos bélicos o urbanos, se nota esa búsqueda pretenciosa pero acertada de forjar un trabajo único y distinto. Interesado por la inclusión de instrumentos no tan comunes como la marimba, "Clap hands" aprovecha esa experimentación musical a la vez que reflexiona sobre los efectos de situaciones negativas. Hay retazos de la angustia personal diaria en "Cemetery polka", "Jockey full of bourbon" evoca una historia de crímenes al son de un mambo liviano, "Tango till they're sore" es casi la observación insignificante de un hombre muriendo, y "Big Black Mariah" es un áspero blues resuelto con maestría. "Diamonds & golds" habla de cazafortunas y tramposos, mientras que"Hang down your head" es quizás la canción más directa y sincera del disco. "Time", sin embargo, es la más profunda, fortaleciendo la idea de apreciar la vida antes que sea tarde (sensibilidad sólo equiparada a la de "Blind love"); a través de la instrumental "Midtown" accedemos a la nítida descripción de los bajos sectores con "9th & Hennepin", un excelente relato en clave folk con "Gun street girl", y a R&R clásico junto a Keith Richards en "Union Square". Con pizcas del funk, "Walking spanish" contiene referencias a la biblia y habla de la última caminata de un condenado hacia la ejecución; la melancólica "Downtown train" alude a la necesidad de amor, y desde la breve "Bride of rain dog" llegamos al final con "Anywhere I lay my head", tema triste que suena a una honesta despedida. Disco que crece cuando se lo vuelve a escuchar.
Favoritas: "Hang down your head", "Time", "Blind love"
Calificación: 8/10
El álbum debut de The Jesus & Mary Chain, fundada por los hermanos Reid, propone un sonido profundo y evocativo. Aunque se se dice que sus presentaciones en vivo eran memorables, Psychocandy (1985) nos da una buena idea de su encanto musical, como también de su obsesión con el consumo de drogas, eje de todo el disco. "Just like honey", con tambores pausados y profundos, la seductora voz grave y la letra dulce, es el producto pop perfecto para captar la atención al abrir el disco; este tema fue decisivo en el surgimiento del noise pop, algo sucio, ruidoso y extrañado. Volverá repetidamente a esta fórmula seductora, como por ejemplo en "Taste the floor" o en "Sowing seeds". "The living end" se aproxima a la autosatisfacción -la que sea-, con un pegadizo ritmo que se acopla muy bien al andar sobre ruedas de su letra. "The hardest walk", cercana al post-punk que ya iba quedando atrás, habla de una dolorosa ruptura, la lenta "Cut dead" tiene un tono melancólico y aletargado y se conecta por el concepto de depresión a "In a hole", aunque esta última es más rápida y ruidosa. En "Taste of Cindy" hay un juego de doble sentido, ya que puede referirse a una joven que no se compromete con él, como también a un tipo de adicción que no puede controlar. La agresiva "Never understand" es una mirada sobre los excesos y el descuido de la propia salud, e "Inside me" observa los efectos expansivos de la experimentación. En el cierre, "My little underground" es uno de los temas más autocompasivos del disco, "You trip me up" combina en su máxima expresión los intereses del autor, drogas y chicas, "Sopmething's wrong" es la más triste y penosa, y "It's so hard" la más confusa. Disco aceptable, que podría ser mejor sin tanta distorsión y bajándole un poco a la obsesión desquiciada por discutir los efectos del consumo de drogas.
Favoritas: "Just like honey", "The hardest walk", "You trip me up"
Calificación: 6/10
Surgida de los restos de Joy Division tras el suicidio de Ian Curtis, New Order supo sobreponerse a la sombra post-punk de la banda anterior y conseguir un sonido original e impactante. Low-life (1985) es su tercer álbum, y en él se atestiguan las intenciones de diversificar el sonido y dar lugar a las influencias estilísticas. La idea de imprimir a la banda una combinación de sonido tecno y un pop indie que iba en crecimiento se evidencia especialmente en la apertura con "Love vigilantes"; su letra, sobre un veterano de Vietnam que regresa y su esposa piensa que ha muerto queda abierta a la interpretación. Esta combinación es más notoria (con gran presencia de sintetizadores) en la bailable "The perfect kiss", en la que se reflexiona acerca de la autodestrucción, de la amistad y de los riesgos (en épocas de la masificación del HIV). El tono bajo y el golpeteo insistente de la base profundizan en "This time of night" las sensaciones dejadas por una pérdida; "Sunrise", que explora diversas formas desde la solemnidad de un sintetizador hasta el apuro de un post-punk descarnado, habla de la falta de empatía con un supuesto Dios y el significado de la vida misma. "Sooner than you think" deja un mensaje ambiguo, y baja un poco la vara filosófica de temas anteriores. Cercana a cierto sonido electro, la fantástica "Sub-culture" piensa la soledad que surge debajo de las capas de un amor que se va apagando, y "Face up", frenética, da el cierre adecuado para un álbum con carga nostálgica. Dejo para el final a "Elegia", tema instrumental inspirado por Ennio Morricone y cuya melodía zigzagueante evoca la partida de Curtis; una obra maestra. Muy bueno.
Favoritas: "Love vigilantes", "Elegia", "Sunrise"
Calificación: 8/10