1001 Albums Parte XVIII: Scott Walker, Stooges, Skip Spence, Zappa, Creedence, Clapton, Miles, Spirit, Black Sabbath, Doors (1969-1970)
El cuarto álbum de estudio de Scott Walker, oportunamente titulado Scott 4 (1969), tiene una impronta metafísica bastante densa. Desde el primer tema, "The seventh seal", se notan tanto su devoción por el cine (se inspira en el argumento del film homónimo de Ingmar Bergman, y la intro suena a esos temas que Ennio Morricone componía en los 60') como por el contenido reflexivo de las decisiones que deben tomarse. "On your own again" trata de poner en palabras un adiós que si duele no tiene que notarse (aunque "The world's strongest man" anula lo anterior con cierta nostalgia). "Angels of ashes" es una sentida despedida ante lo inevitable y "Boy child" también, aunque de la inocencia perdida. Otros temas exploran influencias como el country ("Hero of the war", "Duchess" o "Rhymes of goodbye") y el soul ("Get behind me") y la épica occidental con la cínica "The old man's back again" sobre el fantasma de Stalin sobre la invasión en Checoslovaquia. Un disco sólido, quizás un poco analítico, pero se deja escuchar.
Favoritas: "The old man's back again (Dedicated to the neo-stalinst regime)", "Duchess", "The seventh seal"
Calificación: 7/10
Antes de convertirse en una de las bandas pioneras del punk, The Stooges surgieron como una banda de garage rock en Detroit, con una gran energía en los escenarios; su cantante Iggy Pop -por entonces Stooge- es uno de los referentes en ese sentido en la escena rocker. The Stooges (1969) es el álbum debut de estos muchachos, comenzando por la estridente "1969" una canción que marca como ninguna el espíritu de presente inmediato que llegaría con el punk (al igual que "No fun" o la proto-punk "Not right", ambas con grandes solos de guitarra). La estridencia continúa con "I wanna be your dog", a bordo de una guitarra repetitiva y un Iggy que sobrevuela con los mismos tonos una letra muy provocativa. "We will fall" es un largo tema casi onomatopéyico que parece propio de un culto mesiánico en el que el productor John Cale (ex VU) acompaña con una viola. Una característica común a todos los temas es la falta de elaboración en sus letras, con mensajes simples y pasionales, centrándose más en la potencia de su sonido.
Favoritas: "1969", "Ann", "I wanna be your dog"
Calificación: 6/10
Luego de pasar seis meses en un neuropsiquiátrico tras ser diagnosticado con esquizofrenia, el ex-guitarrista de Moby Grape Alexander 'Skip' Spence viajó en motocicleta a Nashville y allí se dispuso a grabar unas canciones que había compuesto. El resultado de ello es Oar (1969), un disco que grabó en soledad, encargándose de todos los instrumentos y arreglos. La orientación entre psicodélica, folk y reflexiva ayudaron a catalogar el disco como de culto. El comienzo es ecléctico, con la alegre "Little hands" aunque se torna oscuro y meditabundo con "Cripple creek". "Diana" es una folk melódica que suena a pedido de auxilio -superada por la autocrítica "Weighed down"- y "Margaret-Tiger Rug" un simpático bebop. En el disco persiste el sentimiento de fin o de destrucción, como en la pesimista "Brokean heart" ('I'd rather had no eyes at all'); otros temas reflejan aún más claramente su reciente confusión mental, como es el caso del blues "Books of Moses" -el mejor momento interpretativo en la voz y atinados ruidos de truenos como efectos de sonido- y de "Lawrence of Euphoria". Dadas las condiciones, es un disco interesante que se deja oír.
Favoritas: "Dixie Preach promenade (Yin for Yang)", "Margaret-Tiger Rug", "Little hands"
Calificación: 7/10
Llegamos al final de la década del 60', una década marcada por el surgimiento -y caída- del rock psicodélico y la explosión masiva del pop-rock de la mano de los Beatles. En esta ocasión es el turno del segundo disco como solista de Frank Zappa, titulado Hot rats (1969). Este álbum está caracterizado por la fuerte presencia de rock progresivo, con variaciones múltiples de jazz. Tras un arranque sólido en "Peaches en Regalia", donde destaca el virtuosismo del tecladista Ian Underwood, "Willie the pimp" -única canción no-instrumental del disco- es un progressive rock que combina por un lado la extraña voz de Captain Beefheart con un hipnótico solo de guitarra de casi 7 minutos por parte de Zappa. "Son of Mr. Green genes" asombra por su perfecto acoplamiento de instrumentos, teclados, guitarras, vientos y efectos de sonido para tema de jazz progresivo sólido. La calma "Little umbrellas" es una pieza de jazz más tradicional -con aire arabesco-, mientras que "The Gumbo variations" es un tour de force estilístico para sus intérpretes. Hot rats merece ser escuchado y disfrutado porque corona con creces una gran década para el rock.
Favoritas: "Peaches en Regalia", "Willie the pimp", "The Gumbo variations"
Calificación: 8/10
Cosmo's factory (1970), el quinto álbum de Creedence Clearwater Revival, se erige como uno de los trabajos más recordados de la banda estadounidense. A estas alturas, Creedence había alcanzado un equilibrio entre el rock y el pop, y esa fusión había impulsado su popularidad. El inicio predominantemente instrumental de "Ramble tamble" sienta las bases de un disco pegadizo. A partir de "Beore you accuse me" se vuelve a sentir esa impronta de blues sureño tan típica de la banda, con el característico falsete de Fogerty; el oficio rockero se siente en la fantástica "Travelin' band' y en "Ooby dooby", antes popularizada por Roy Orbison; por otro lado, "Lookin' out my back door" es un hermoso country que añora la vida sureña. Sin embargo, el lado 'oscuro' del disco es la desesperante "Run through the jungle", inspirada por la guerra de Vietnam (crisis que también influyó en "Who'll stop the rain"), y la conocida "Up around the bend" sintoniza con el fin de la época hippie y esa búsqueda de un edén pacífico. Creedence es una banda que cuanto más la escuchás, más la respetás. Cosmo's... se mantiene como uno de los grandes álbumes del rock.
Favoritas: "Lookin' out my back door", "Before you accuse me", "Who'll stop the rain"
Calificación: 9/10
En 1970 apareció un álbum llamado Layla and other assorted love songs, de una banda llamada Derek and the Dominos. El tal Derek no era otro que Eric Clapton, y los otros miembros venían de bandas que acababan de disolverse. Layla and..., álbum doble, tiene un tono melódico, suave, estilizado, influenciado por el blues y el soul, pero enmarcado en el rock sinfónico que asomaba por entonces. Buen ejemplo de este sincretismo es "Bell bottom blues", una de las varias canciones inspiradas en Patty Boyd (junto a "Have you ever loved a woman" y "Layla"), esposa de George Harrison y amor platónico de Clapton. Otra constante es la predominancia de las guitarras, que destacan en temas como "Keep on growing" y "Key to the highway". La legendaria "Nobody knows you when you're down and out" es el blues lento perfecto, por el tono melancólico y el sujeto derrotado y abandonado. La melancolía acompaña también los versos de "I am yours", simple pero sentida, y "It's too late". La sorpresa es "Why does love got to be so sad?", un rock que dispara muchas asociaciones, hasta música disco. Un disco que marca el camino depresivo por el que iría Clapton los años siguientes, pero musicalmente excelso.
Favoritas: "Bell bottom blues", "I am yours", "It's too late"
Calificación: 8/10
Bitches brew (1970) es el primer álbum en el que Miles Davis hace uso extensivo de instrumentos eléctricos, elementos electrónicos, percusiones afro y estructuras rítmicas netamente vinculadas al rock. Bitches brew está compuesto de dos discos: el primero de ellos contiene apenas dos pistas, ambas extensas, "Pharao's dance" que combina lo arabesco y lo caribeño con sonidos eléctricos y "Bitches brew", un extraño tema que arranca con una marcada improvisación de jazz; es atmosférica y funciona muy bien como pieza autónoma. El segundo disco, compuesto de cuatro temas (en una reedición se agregó otro, "Feio"), entre los cuales destacan "Spanish key" -que lleva el free jazz a su máxima expresión tomando formas del flamenco-, "John McLaughlin" (una fugaz pero intensa sesión de jazz) y la tribal "Miles runs the voodoo down", un tour de force de Davis por sobre las armonías pre-establecidas. La portada es sensacional, aumenta esa sensación de libertad transmitida desde el obsesivo trabajo de improvisación instrumental a lo largo de todo el álbum. Otra gran obra del incansable Miles.
Favoritas: "Bitches brew", "Spanish key", "Miles runs the voodoo down"
Calificación: 8/10
Twelve dreams of Dr. Sardonicus (1970) tiene la fama de ser la obra cumbre de la banda de rock californiana Spirit. Liderada por el guitarrista Randy California -compañero de sesiones de Hendrix-, Spirit mezclaba rock con ciertos elementos de lo clásico. En este disco, considerado conceptual, se hace uso extensivo de sintetizadores como el Moog modular (sobre todo en la jazzera "Space child"); a lo largo de todo el álbum hay una sensación de experimentación controlada, más que nada por la variedad de estilos que se ensayan. "Animal zoo", por ejemplo", es muy funky pero también con un estribillo sinfónico (algo similar puede decirse de "Mr. Skin"). Otros como "Love has found a way" entrecruza sarcasmo con deseo, y "When I touch you" combina lo sinfónico y hasta operístico con la psicodelia presente en el grupo. Es una sensación reinante en todo el disco esa búsqueda de libertad ("Street worm", la rocker "Morning will come"). Un buen disco, que no alcanza grandes dimensiones pero que se deja oír.
Favoritas: "Animal zoo", "Morning will come", "Why can't I be free"
Calificación: 7/10
Amén de algunas bandas que han influenciado al hard rock en los 60', el álbum fundacional del heavy metal es Black Sabbath (1970), de la banda homónima de Birmingham liderada por el carismático Ozzy Osbourne. El disco contiene los elementos imprescindibles del metal de inicios de los 70': satanismo, cambios abruptos de ritmos, voces que suenan como gritos o súplicas, y guitarras estridentes pero acordes al resto de la banda. "Black Sabbath" abre el disco como una exhalación de sensaciones incontenibles, mientras que "The wizard" suena más a una ácida crítica social -presente también en "Wicked world"- disfrazada de magia negra. "Behind the wall of sleep" describe cierto ritual, y es interesante la aparición de un insulto indirecto ('I can't fuckin' hear you'). "N.I.B.", tal vez el tema más popular del álbum, hace hablar a Lucifer sobre su enamoramiento y sus buenas intenciones, una noción cuanto menos chocante para la época. Un cambio de oportuno nos asalta en "Sleeping village", una mesmerizante canción que arranca melodiosa para devanarse luego entre riff e improvisaciones. Importante para entender la evolución del metal.
Favoritas: "Black Sabbath", "N.I.B.", "Evil woman"
Calificación: 7/10
Tras la tibia recepción de The soft parade -su álbum anterior-, The Doors lanzaron un quinto disco titulado Morrison Hotel (1970), influenciado por los numerosos recorridos de la banda en ese año. El disco tiene una clara inclinación hacia el R&B desde su primera canción, "Roadhouse blues". "Waiting for the sun" un hard blues insistente -ya editado en un trabajo anterior-, mientras que el R&B "You make me real" resalta las virtudes vocales de Morrison para los cambios o saltos y destacando otro de los puntos álgidos del disco, los teclados (que también brillan en la jazzera y apocalíptica "Ship of fools"). La rebeldía del cantante, cuya exposición fue notoria dados los múltiples cargos por obscenidad de los que fue acusado, encaja a la perfección con el sonido funky de "Peace frog" (con excelentes solos de guitarra y con referencias al aborto) y "Queen of the Highway". De la turbulencia se escapan las melódicas "Blue Sunday" e "Indian summer" y el rencoroso blues "The Spy". De menor a mayor, otro disco distinto del buen Jim, que por estos meses comenzaría a profundizar su adicción a la cocaína con resultados que obviamente sabemos.
Favoritas: "Blue Sunday", "You make me real", "Ship of fools"
Calificación: 8/10