1001 Albums Parte XXIII: Elton, Dolly, Don McLean, Emerson/Lake/Palmer, Zeppelin, Gainsbourg, Stewart, Cohen, Joni Mitchell (1971)
Madman across the water (1971) marca la primera aparición del popular cantante melódico británico Elton John en este libro. Madman es el cuarto álbum de Elton, y está marcado por la nostalgia típica de su letrista, Bernie Taupin; el primer tema, "Tiny dancer", está inspirado por la esposa de Taupin de entonces, y contrasta el estilo de mujer californiana al de la británica. Con "Levon" nos introduce en el soft rock con una canción algo triste sobre un personaje de la calle, al igual que "Razor face", la cual presenta un destacado acompañamiento de piano, acordeón y teclados. "Madman across the water" fue malinterpretada como una metáfora sobre Nixon, pero funciona bien como canción concientizadora (y tiene un interesante medio progresivo con cuerdas); "Indian sunset" destaca como una elegía hacia un pueblo nativo y su inevitable final y "Holiday Inn" es un blues que suena positivo respecto del porvenir (tal como "Rotten peaches", que suena como un gospel de carretera). Elton se deja lo mejor para el final con la solemne "Goodbye" El disco no supuso éxito de crítica, y es que no tiene canciones imprescindibles; no suena mal, pero no terminó de convencerme.
Favoritas: "Rotten peaches", "Goodbye", "Levon"
Calificación: 6/10
La música country tuvo un rejuvenecimiento con la aparición de Dolly Parton. El álbum Coat of many colors (1971) es una bocanada de aire fresco en el género; la melancolía y el amor son dos de sus ejes temáticos. El disco arranca sentimental y nostálgico con "Coat of many colors" que remite a la difícil infancia de Dolly; algunos temas tienen una fuerte impronta rockera como "Traveling man", o de pop como "Early morning breeze" y la contagiosa "A better place to live". La pericia de Parton en las composiciones es evidente en la hermosa aunque triste "My blue tears", o en "She never met a man". La nostalgia vuelve con "If I lose my mind", un tributo a la relación con su madre, y Parton se muestra poética en "The way I see you". "Here I am" es una gran demostración de la versatilidad vocal de la cantante, saltando de una dulce soprano a un vibrato potente acompañada de los coros. Coat of many colors expresa el sentimiento de la clase rural que empezaba a sentirse influenciada por el rock y el pop, y Dolly Parton fue la abanderada de esa modernización. Un muy buen disco, y un ejemplo de que a veces menos es más, en cuestiones de duración.
Favoritas: "Coat of many colors", "My blue tears", "Here I am"
Calificación: 8/10
Si el álbum American Pie (1971) del cantautor neoyorkino Don McLean durara sólo ocho minutos y medio, alcanzaría para poner este disco entre los mejores del siglo. McLean tal vez no sea un artista conocido de este lado del mundo, pero expresa una versión romántica de la música popular que merece ser escuchada. "American Pie" es una de las mejores canciones que ha dado el folk-rock estadounidense, con referencias que van desde la muerte de Buddy Holly y amigos en el famoso ´día que murió la música', hasta múltiples artistas ya legendarios como Elvis, Beatles o Stones, y también el modo de vida americano relacionado con el paso a la adultez. "Till tomorrow" es una balada folk suave y dulce, "Crossroads" es una contundente letra sobre el destino y el autodescubrimiento y "Winterwood" es una melancólica canción con tonada country. "Empty chairs" brilla por su prosa descriptiva y "The grave" respira odio por una guerra sin sentido (Vietnam). Y también está "Vincent", un hermoso homenaje al colorido y angustiado arte del gran Van Gogh. Escuchar este disco en soledad, de noche y en la absoluta tranquilidad, es una experiencia inigualable.
Favoritas: "American Pie", "Vincent", "Crossroads"
Calificación: 9/10
Cada tanto, un disco puede ser tan claro en su mensaje pero complejo en su ejecución. Tarkus (1971) es uno de esos casos. La banda en cuestión es la londinense Emerson, Lake & Palmer, uno de los grupos que más se preocupó por la definición musical de lo que representa el rock progresivo. El álbum tiene sólo 7 pistas, pero la primera de ellas -"Tarkus"- es un opus que consta de 7 secciones bien diferenciadas tanto por la instrumentación -destaca el hammond de Keith Emerson que es un eximio tecladista- como por la variación de estilos; podría pensarse cada sección como una batalla diferente, puesto que se sabe que el disco es un comentario antibelicista. Los coros por momentos bordean lo sinfónico. El lado B tiene temas satíricos como el honky-tonk "Jeremy Bender", un largo silencio inicial en la progresiva y esotérica "Bitches crystal", una audaz crítica a la religión en "The only way (Hymn)" -basada en dos piezas de Bach- y una fuerte impronta jazzística en "Infinite space". El disco cierra rocker, con el grito agónico de "A time and a place" y la alegre "Are you ready Eddy?". La tapa carga un simbolismo tremendo. Un disco muy interesante, con mucho virtuosismo pero no tan magnético.
Favoritas: "Tarkus", "Jeremy Bender", "The only way (Hymn)"
Calificación: 8/10
La presentación de Led Zeppelin IV (1971) confirma a Led Zeppelin como la banda principal del heavy metal internacional. El álbum tiene menos improvisaciones acústicas y está más concentrado en la agresividad y en la planificación de temas "para ser tocados en vivo". En el disco abundan los riffs de Jimmy Page y sus canciones entregan audacia, sensualidad y contundencia. "Black dog" abre fuerte pero es en "Rock and roll" donde, a caballo de un inicio clásico -inspirado por un tema de Little Richard- pero mucho más ruidoso, se impone el sello de la banda; "The battle of Evermore" es una interesante elegía histórica sobre las guerras de independencia escocesa, con Page marcando el paso en una mandolina. "Stairway to heaven", la canción más conocida de Zeppelin, tiene varios momentos, yendo in crescendo desde un comienzo folk renacentista y meditativo hasta alcanzar un enérgico rock pesado que decanta en voces armónicas: es probablemente su mejor tema. El tono oscuro del disco prosigue con "Misty Mountain Hop" y "Four sticks". Y "Going to California" es una gema acústica inspirada por Joni Mitchell. Otro buen disco de una banda a la que apenas había escuchado.
Favoritas: "Stairway to heaven", "Going to California", "Rock and roll"
Calificación: 8/10
El multifacético Serge Gainsbourg dominó la escena artística y literaria francesa de la segunda mitad del siglo XX. Con un estilo intimista, provocador, rebuscado y complejo, construyó un corpus de canciones diferente, convirtiéndose así en un precursor de artistas posteriores. Histoire de Melody Nelson (1971), polémico desde su conceptualización ya que alude a la relación entre un hombre maduro y una joven virgen, desarrolla esa relación por medio de viñetas, comenzando con "Melody", que describe el encuentro fortuito de esos personajes. El decir de Gainsbourg otorga un sentido más personal y de diálogo, que ya en "Ballade de Melody Nelson" incluye mayor participación de su novia Jane Birkin, en el papel de Melody. Con "Valse de Melody" el disco alcanza su momento más interrogativo, en el cruce entre el amor y la incertidumbre; la orquestación acompaña en un tono dramático. "Ah Melody" es un suspiro pop entre la poesía y en la que Gainsbourg canta más de lo que recita. En "L'hotel particulier" el intimismo se funde con un gran poder descriptivo del 'puertas adentro'; "En Melody" es un tema funk, el más enérgico del disco (con unas risas geniales de Birkin), y "Cargo culte" nos muestra la tragedia de su amada a través de un viaje espiritual del protagonista. Buen disco, raro, y la tapa seduce.
Favoritas: "Ballade de Melody Nelson", "Valse de Melody", "En Melody"
Calificación: 7/10
Por un corto pero fructífero periodo, la carrera solista de Rod Stewart coexistió con su participación en la buena banda The Faces, a finales de los 60' e inicios de los 70'. El álbum Every picture tells a story (1971) es uno de los trabajos más recordados del cantante. Abre con el tema homónimo, una canción poderosa que fusiona muy bien lo acústico con el hard rock y un positivismo contagioso. A partir de "Seems like a long time" regresa la vena melódica de Stewart, que domina con un falsete de los mejores en la historia del soft rock; la folk "Tomorrow is a long time" de Dylan es conmovedora en su voz, "Mandolin wind" es una declaración de amor sentida y "Maggie May" marca el paso a la adultez en tono de pop-rock y se ha convertido en su tema más representativo. La madurez estilística de Stewart se pone a prueba con el clásico R&R "That's all right" (cuya segunda parte es una sorprendente oda), la funky -y estridente- "(I know) I'm losing you" de los Temptations y en la balada folk "Reason to believe" del ícono de los 60' Tim Hardin. Un disco para escuchar de noche, emotivo y lleno de expresividad.
Favoritas: "Tomorrow is a long time", "Every picture tells a story", "Maggie May"
Calificación: 8/10
Pictures at an exhibition (1971) fue el primer álbum en vivo de la banda de rock progresivo y experimental Emerson, Lake & Palmer. Grabado en el Newcastle City Hall, buena parte del disco es una adaptación libre de la obra de Modest Músorgsky, uno de los máximos representantes musicales del período romántico con raíces folklóricas en Rusia. En líneas generales, el disco se centra en el virtuosismo del tecladista Keith Emerson. Las canciones son bocetos oscuros de una historia mayor, aquella relacionada con las leyendas y la tradición rusa, como por ejemplo "The gnome", "The curse of Baba Yaga" o "Nutrocker" -adaptación de El cascanueces, de Tchaikovski. "The sage" destaca por su enfoque entre pastoral y moderno (enfatizado en el uso de sintetizadores al principio); otros temas bordean lo experimental como "The old castle", o se alinean en el rock más vertiginoso como "Blues variation" y la mencionada "The curse of..." (increíble lo que hacen con el hammond). Pictures... es un ensamble musicalmente prodigioso que no resulta confortable a cualquier oído, pero que posiciona a la banda como una de las más sesudas y comprometidas con la música "seria".
Favoritas: "The sage", "Blues variation", "The gnome"
Calificación: 8/10
El álbum Songs of love and hate (1971) es uno de los trabajos más oscuros del poeta Leonard Cohen. Cohen había entrado en una depresión profunda, y estas canciones reflejan ese estado de ánimo. El disco comienza con un viejo poema suyo, "Avalanche", sincero pero no exento de odio, acompañado por una guitarra sincopada -una característica de varios de sus temas; "Last year's man" es una canción con aire nihilista y de inevitabilidad, mientras que "Dress rehearsal rag" es una balada americana autorreflexiva y tenebrosa que hace referencias al suicidio como algo tangible. Controvertida es "Diamonds in the mine", cuya melodía alegre contrasta con el mensaje amargo de Cohen sobre un ser humano que ha desperdiciado lo mejor de sí (el final con el autor desquiciado es genial). Cohen se abre a la inmediatez con "Love calls you by your name", construye en estilo epistolar una relación fallida a manos de la tiranía con "Famous blue raincoat", y nos regala una curiosa historia de amor/desamor con "Sing another song, boys", imaginería nazi incluida. "Joan of Arc" corona el final con un diálogo entre Cohen y la heroína mientras se consume entre las llamas, poético y hermoso. Buen disco, enigmático como siempre.
Favoritas: "Famous blue raincoat", "Joan of Arc", "Diamonds in the mine"
Califcación: 8/10
En 1971 la cantautora canadiense Joni Mitchell estrenó Blue, su cuarto álbum de estudio. El disco ha sido considerado ampliamente como uno de los mejores trabajos realizados por una intérprete. Su contenido condensa un recopilatorio de impresiones sobre el devenir de las relaciones humanas. Ya sea junto a un piano o acompañada por una guitarra bien folk, la voz de Joni suena fresca, sucia pero encantadora. El amor es el foco de temas como "My old man", "River (de melodía navideña aunque es más que eso), "Blue" -tal vez la más triste- o la visceral "A case of you", dueña de una melodía que se mete rápidamente en tu subconsciente; "Little green" está inspirada por su propia experiencia como madre biológica que dio a su beba en adopción y un futuro imaginario mejor que el suyo. "Carey" es una folk contagiosa que hace referencia a una amistad pasajera con un extraño en Creta, mientras que "California" y "All I want" son expresiones de deseo y añoranza sobre lo que buscaba en esos momentos. "The last time I saw Richard" es nostalgia pura de parte de una romántica incurable. El disco conserva su encanto gracias a la creatividad de Mitchell, que logra hacer de cada canción una fuerza individual. Una sabia manera de ingresar en el universo de esta hermosa artista.
Favoritas: "A case of you", "Carey", "River"
Calificación: 9/10